Rome, 24 mai 2014
L'imaginaire de Rodin et le genie de Michelangelo, la manipulation de la matière et le triomphe du marbre.
Vient
de terminer le 25 mai l'exposition consacrée à Auguste Rodin (Paris
1840 - Meudon 1917). Installée dans les monumentales Classes des
Thermes de Dioclétien à Rome, l'exposition promue par la
Surintendance pour le Patrimoine Archéologique de Rome et le musée
Rodin à Paris , organisée par Aline Magnien, conservateur en chef
du patrimoine du musée Rodin à Paris , est présentée comme une
des expositions les plus représentatives des œuvres du grand
sculpteur français avec ses 60 sculptures exposées. Par le parcours
nous sommes arrivés à apprendre les différentes étapes de la vie
artistique de Rodin, la période initiale qui voit la mise en œuvre
d'une série d'œuvres de facture néo- classiques, la transition
vers une vue personnelle de la plasticité de la sculpture,
innovanteur, qui arrive à la notion de pas fini si chère à
Michelngelo, auquel Rodin regarde avec grand intérêt. La base du
travail est la récupération de la tradition qui mène à
l'affirmation d'un nouveau concept de la sculpture. Il y a surtout
une série de nus où l' eros est idée prédominante, souvenirs de
mythes anciens, comme Apollon et Daphné, Icare et l'
Aurore, maintenant plus important que jamais comme dans le passé.
Le choix de marbre est pondéré. Le marbre évoque le passé et les
grands sculpteurs et bien que sa texture est dur et froid est le plus
approprié pour représenter le corps humain, le mouvement, la forme
torsadé et palpitantel. Ce matériel permet également de jouer avec
la lumière et l'ombre, les creux et les saillies. Ça
c'est toute la puissance de Rodin et sa révolution, en opposition
avec les tendances d'un néoclassicisme qui ressemblait à
l'antiquité comme la seule matrice esthétique et
formelle.
Les
travaux ultérieurs sont expression d'une matrice totalement
différente où la touche personnelle de Rodin apparaît en pleine
lumière, avec une série de sculptures qui marquent la croissance du
génie. Rodin peut être considéré comme un peintre prêté à la
sculpture parce que ses panneaux de marbre créent de tableaux
picturales uniques, observables sous différents angles. Chaque
figure a un impact fort expressive, la Femme poisson,
l'Aurore, Paolo et Francesca dans les nuages. Rodin
rend également hommage à son compagnon d'une vie, Rose Beuret avec
un magnifique buste qui recrée la douceur de ses traits. Ils
ressemblent à des petits piliers de sel, le marbre a un effet de
grain rugueux, est la toile de fond de la sculpture elle-même,
lisse, lunaire, émerge de la matière comme la nacre ancrée et
protégée par la coquille de l'huître.
Et
ici nous commençons à parler de l'inachevé, un concept
repris par Michelangelo. Beaucoup de œuvres créent un fond et
agissent comme une sorte de haut ou bas relief, la figure sculptée
semble ébauchée parce qu'elle ne se détache pas de la matière
informe dont elle reste partie intégrante, de sorte que le travail
est volontairement inachevé. Le sculpteur confond volontiers les
traces et crée de limites mal définies entre le travail et la bse
en marbre. Au fil du temps, Rodin augmente le rôle de la matière
plastique inachevé et l'effet esthétique, soulignant le rejet de
tout désir de illusionnisme. Bon exemple les célèbres portraits de
Victor Hugo et Puvis de Chavannes, où chaque figure émerge de la
masse brute qui apparaît dans toute son volume.
Un
autre sujet abordé à plusieurs reprises par l'artiste regard les
mains, énormes, gigantesques, tendues ou fuselées, dans l'acte de
serrer, de recevoir ou de cacher. Comment les mains d'amateurs
, ou le secret. Mais plus que toute autre chose, il faut
rappeler La main de Dieu , chef-d'œuvre incontesté , car il
conçoit l'absolu et le temps de la création. Sa composition
plastique oblige le spectateur à tourner autour de la figure de
saisir la plénitude de l'œuvre, les mains qui tiennent la pierre
qui renferme les corps, un homme et une femme, Adam et Eve , qui
viennent de naître des mains du créateur. Le travail avec le
baiser est la plus représentative, car Rodin exprime pleinement
son génie artistique
Enfin,
avec l'exposition en 1900 de l'Alma, Rodin est acclamé par la
critique, le succès et la gloire arrivent. Ses œuvres sont
demandées partout dans le monde, afin que ses employés sont engagés
à reproduire un nombre considérable de sujets pour satisfaire la
clientèle grandissante. Comme la tradition des anciens ateliers du
passé, il ya une distinction claire des responsabilités entre la
gestation de la conception, qui appartient à l'artiste, et la
réalisation proprement dite, déléguée à ses collaborateurs, en
charge de reproduire l'idée décrite dans les maquettes. Artistes
aussi de grand talent, lils sont cités dans l'exposition car ils ont
contribué à créer ces œuvres d'une beauté artistique
exceptionnelle désormais célèbre dans le monde entier. Peut-être
à mettre en évidence l'idée de l'atelier, les salles de
l'exposition semblent un immense laboratoire occupés par de longs
bancs en bois sur les quels on a appuyé les blocs de marbre. Je
imagine les artisans occupés à sculpter la pierre brute de là,
chacun en face de son travail, surveillés par l'œil vigilant du
maître, et un martèlement continu et confus. Tout est plongé dans
la belle toile de fond de Thermes de Dioclétien, un lieu si cher à
Michelangelo qui a créé à l'intérieur le magnifique cloître du
monastère des moines chartreux. Tout va à sa place et se réfère à
la conjonction des deux grands maîtres, éternelles et inoubliables.
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Robert Capa:
Chroniques de la guerre sur le sol italien
3 Octobre 2013 au 6 Janvier 2014
Musée de
Rome - Palazzo Braschi
Inaugurée le 2 Octobre au Palazzo Braschi en présence des autorités hongroises et le surintendant Capitolina , l'exposition présente pour la première fois en Italie, 78 photographies prises par Robert Capa, né Endre Friedmann, l'un des photographes les plus célèbres du XXe siècle. A cette occasion, nous célébrons un double anniversaire: le centenaire de la naissance du célèbre photographe (né à Budapest en 1913) et les soixante-dix années de le débarquement des troupes anglo-américaines en Italie.
Dans le cadre de l'année culturelle Hongrie - Italie 2013, le gouvernement hongrois a décidé de proposer un sujet unique pour sceller la liaison humaniste entre les deux peuples. Le choix, médité avec l'intention de trouver un point commun avec l' histoire de l'Italie , est tombé sur le travail de la charge d'un artiste que l'humanité et la sensibilité des peuples d' Europe de l'Est.
Comme l'a souligné
le Secrétaire d'Etat adjoint pour les Affaires Economiques du
Ministère des Ressources
Humaines de la Hongrie Ferenc Elle Batho pendant des siècles il
existe une profonde amitié entre les deux peuples qui se propose de
renforcer. «Plusiers initiatives se sont produits dans l'
exposition culturelle en Italie et ont vu exposer les œuvres de
leurs grands artistes modernes et contemporains et aujourd'hui je
suis fier de porter à Rome un grand et talentueux artiste de leur
terre avec ses photographies de scènes a immortalisé de la vie
appartenant à l' histoire italienne.»
Considéré
comme le père du photojournalisme, qui a réussi à donner un
nouveau look et une direction déterminée, Robert Capa a fondée en
1947 à Paris la Magnum Photos, qui deviendra l'une des plus grandes
agences de photos au monde. Capa fut un grand correspondant de
guerre. En quarante ans de vie terminée tragiquement en 1954 par
l'explosion d' une mine terrestre au Vietnam pendant la Première
Guerre d'Indochine, il a immortalisé par ses photographies les
moments dramatiques de cinq guerres qui ont ensanglanté les
cinquante premières années du dernier siècle. Capa, ou "Shark",
un surnom qui lui a été donné par des amis et qui est devenu son
nom de guerre, fut toujours à la pointe, vivant parmi les soldats
sur le champ de bataille, prêt à saisir avec son objectif l'âme
des hommes qui ont participé tragiquement aux atrocités de la
guerre; les soldats et les civils, les hommes et les femmes, les
personnes âgées et les enfants. Doté d'une personnalité hors du
commun, Capa aimait profondément son métier. Photographier le monde
était sa raison de vivre. Il était alors un journaliste et un
témoin de moments qui se sont écoulés dans l'histoire.
Aujourd'hui, nous pouvons regarder ces images comme des fragments
d'un miroir dans lequel se reflètent des mondes entiers et les
horreurs des guerres qui ont fait rage à travers les cinq
continents.
Mais qu'est
ce c'est la liaison entre Robert Capa et l'Italie? Il est facile à
repondre. Au cours de sa courte vie Capa pris environ soixante-dix
photographies de 23 pays qui ont été théâtre de la guerre.
Certains d'entre eux, exactement 78, ont été prises sur le sol
italien pendant la Seconde Guerre mondiale. En fait , en tant que
correspondant de guerre accrédité auprès des troupes américaines,
Capa a été tèmoin du débarquement des troupes anglo-américaines
à Anzio pour libérer l'Italie des horreurs commises par le nazi
-fascisme .
Aujourd'hui,
cette réalité si loin prend vie à travers cette très intéressante
exposition qui apporte ces images pour etre exposer au Musée de
Rome Palazzo Braschi, qui pour l'occasion a enfin ouvert au public
après une longue restauration les chambres au deuxième étage,
préparées pour l'installation d'expositions temporairesles. Les
photographies font partie de la Master Selection, une collection de
957 photos sélectionnées par le frère de Robert Capa, Cornell,
avec son biographe Richard Whelan parmi les milliers faites au cours
de sa carrière, dont il n'existe que trois exemplaires dans le monde
aujourd'hui conservés un à l' International Center of Photography à
New York, l'autre au Musée d'art de Tokyo et un troisième au Musée
National Hongrois à Budapest. Ce dernier a prêté son exemplair,
acheté en 2009 à l' International Center of Photography à New
York, pour la préparation de cette importante manifestation
organisée par Beatrix Lengyel, siège de la photo historique du
Musée National hongrois et qui a vu la participation du Surintendant
Capitolina pour le Patrimoine Culturel, du Ministère des Ressources
Humaines de Hongrie, de l'Ambassade de Hongrie et de l'Académie
Hongroise de Rome. Les photographies seront exposées jusqu'à 6
Janvier 2014.
La guerre vue à travers la lentille d'une caméra, coups de feu qui
détiennent des moments passionnants et terrifiants, de joie et de
tristesse. Scènes dramatiques de la vie réelle, qui soulignent la
ligne fine entre la vie et la mort qui se dessine dans les décombres
de l'attentat, dans les désastre des rues, sur le champ de bataille,
dans les hôpitaux de fortune campés dans les églises. Images
riches d'une profonde humanité qui nous saisit et nous excite parce
qu'elle éveille en nous l' horreur de la guerre et la compassion
pour les victimes.
Capa a
immortalisé l'ascension des parachutistes de la Tunisie à la
Sicile, la reddition de Palerme, le siège de Troina , les
funérailles d'étudiants à Naples, les difficultés sur le chemin
de Monte Cassino, et une Italie dévastée par la Seconde Guerre
mondiale, désormais proches de la pauvreté et désespoir, qui
accueille joyeusement les troupes anglo-américaines, enfin libre des
atrocités nazies. Un plongeon dans l'histoire de notre pays à
travers des images en noir et blanc capturée par une lentille, un
verre transparent qui reflète les expressions de joie et de douleur
des visages marqués par les atrocités de la guerre:
militaires civils , italiens, américains, allemands, victimes et
les auteurs active et passive.
Etant
photographiés ils sont devenus eux-mêmes sujets inconscients de
l'histoire de notre pays. Parce que l'histoire est faite par des
hommes, des choses humaines souvent négligées par le dossie , et
pas seulement des phrases écrites sur les livres. Donc Capa aussi à
travers ses photographies devient partie de notre histoire. C'est
ainsi révélé la liaison entre les deux pays qui aujourd'hui avec
fierté et émotion introduisent le public à cette grande figure de
la culture hongroise .
Shaul Knaz pour la première fois à Rome
L'artiste
israélien expose ses peintures à la Galerie Ermanno Tedeschi
dans
le cadre pittoresque du Portico d' Ottavia
du 24 Septembre au 31 Octobre , 2013
 |
| Shaul Knaz |
Roma 24 Septembre 2013, Portico d' Ottavia. Sous le ciel étoilé
du quartier historique qui préserve les arômes et l'atmosphère du
passé, Ermanno Tedeschi Gallery ouvre la saison avec un personnel
dédié à israélien Shaul Knaz. Une vitrine importante qui apporte
pour la première fois en Italie les œuvres du maître present à
l'inauguration de l'exposition. Le public pourra admirer ette
xpositin jusqu'au 31 Octobre .
Né en 1939 au kibboutz Gan Shmuel, en Israël, Shaul Knaz propose sa propre façon de faire de l'art qui résulte d'une longue expérience comme illustrateur et graphiste. Un processus évolutif qui l'a amené à chercher et finalement trouver sonpropre langage expressif, aussi originale que immédiate. Knaz expose une vision personnelle de la réalité qui l'entoure, dans un pays difficile comme Israël, soumis à des tensions sociales et politiques quotidiennes. Le thème central de son travail est la relation difficile entre les gens, le sentiment d'aliénation qui oppose l'individu à la société moderne qui tend à étouffer son essence, son humanité. Dans ses peintures des sujets qui composent l'ensemble sont assemblés au hasard, souvent répétés ou inversés sur un espace qui nie la perspective. Il s'agit donc d'un plat, en deux dimensions. Dans d'autres œuvres, on peut voir comme l'artiste est capable de créer de moderne bas-reliefs à travers l'utilisation du tube de peinture directement sur la toile ou le chevauchement de matière plastique. Les couleurs vives et l'originalité de la composition caractérisent sa singularité en tant qu'artiste.
Né en 1939 au kibboutz Gan Shmuel, en Israël, Shaul Knaz propose sa propre façon de faire de l'art qui résulte d'une longue expérience comme illustrateur et graphiste. Un processus évolutif qui l'a amené à chercher et finalement trouver sonpropre langage expressif, aussi originale que immédiate. Knaz expose une vision personnelle de la réalité qui l'entoure, dans un pays difficile comme Israël, soumis à des tensions sociales et politiques quotidiennes. Le thème central de son travail est la relation difficile entre les gens, le sentiment d'aliénation qui oppose l'individu à la société moderne qui tend à étouffer son essence, son humanité. Dans ses peintures des sujets qui composent l'ensemble sont assemblés au hasard, souvent répétés ou inversés sur un espace qui nie la perspective. Il s'agit donc d'un plat, en deux dimensions. Dans d'autres œuvres, on peut voir comme l'artiste est capable de créer de moderne bas-reliefs à travers l'utilisation du tube de peinture directement sur la toile ou le chevauchement de matière plastique. Les couleurs vives et l'originalité de la composition caractérisent sa singularité en tant qu'artiste.
Je m'approchai de lui tranquillement, je me présente et lui demande
une entrevue. Knaz , accompagné de son épouse Hanna, une gentille
dame, accepts de répondre à mes questions .
Question ; Quand vous avez commencé votre carrière comme artiste?
Réponse: Je
ne sais pas . C'est arrivé. Ce n'était pas le résultat d'une
véritable décision . Au départ, j'ai travaillé comme graphiste
pour des magazines à Tel Aviv. J'ai fait beaucoup d'illustrations
pour des magazines , j'ai aussi fait des dessins et des caricatures
politiques, mais au cours des dernières années, j'ai abbandonné ce
genre parce que je voulais quelque chose qui était basilaire dans la
vie. Les journaux sont maintenant à jour pour aujourd'hui. J'ai donc
essayé de développer ma propre façon de faire de l'art. L'essence
de mon art repose sur la capacité ou l' incapacité des gens à
vivre ensemble. Je pense que dans la vie moderne est beaucoup plus
critique à vivre ensemble avec des gens qui communiquent avec le
smart phone . Comme vous pouvez voir chaque homme et chaque femme
tente de se rendre à l'autre,et pas toujours ca réussit. Néanmoins,
ils ne s'arrêtent pas essayer.
Question: Vous vous inspirez de votre émotions, de votre vie en général?
Réponse ;
Bien sûr. Comme vous le savez je vis dans un pays très spécial et
sous une pression constante. Beaucoup d'entre nous sont impliqués
dans les mouvements politiques pour la paix.
Question: Est-ce que vous vivez en Israël?
Question: Est-ce que vous vivez en Israël?
Réponse: Oui, la situation en Israël apporte son lot de tensions dans la vie quotidienne. Beaucoup de gens essaient de vivre ensemble, de ne pas céder , mais il n'est pas facile dans la vie moderne . Donc, je suis en train de rivaliser avec une situation sans solution. Mais il est intéressant d'essayer d'enregistrer la réalité aussi de cette façon.
Question: Est-ce que vous essayez de glorifier la vie en utilisant la couleur ? Serait-ce une interprétation de votre œuvre ?
Réponse: Je vis une désillusion constructive. Ou disons plutot un pessimisme constructif. Les couleurs font toute la vie autour de moi plus colorée. (jeu de mots). Mais au fond de mon cœur, je suis très pessimiste sur la situation de mon pays, sur les relations entre les gens.
Question: Mais cultivez vous l'espoir?
Réponse: Il
faut avoir de l'espoir. Nous devons créer, encourager les gens à
réfléchir sur leur vie et essayer de se retrouver d'une manière ou
d'une autre .
Question : C'est la première fois que vous venez à Rome ?
Réponse: Dans le passé, nous sommes venus à Rome avec un voyage organisé. Mais aujourd'hui seulemet noul la découvrons vraiment. C'est merveilleux . Et la maison de la culture et de l'art .
Question: Une dernière question. Pouvez-vous me dire quelque chose à propos de votre technique de peinture ?
Réponse: C'est un mélange de matériaux. Couleurs acrylique d'une partie et industrielles dans l'autre. Mais je utilise aussi de peintures à l'huile. J'essaie toujours de trouver de nouvelles couleurs en mélangeant plusieurs palettes.
« Et avec un bon résultat» je conclus. Mon entrevue est terminée. Je remercie l'artiste et sa charmante épouse, et regarde en arrière avec les yeux les peintures. Une exposition très intéressante à tous points de vue.
Mattia Preti : Le Cavalier Calabrese au palais de Venaria Reale
Du 16 mai au 15 Septembre 2013
À l'occasion du quatre centième anniversaire de la
naissance, la région de Calabre rend hommage à son compatriote le
plus important avec une série de manifestations culturelles. Après
l'importante rétrospective au musée de Taverna en Calabre, où le
peintre a vu la naissance, maintenant c'est à l'hôte du Piémont
dans les salles magnifiques du palais de Venaria exposer les
peintures de Mattia Preti. Peintre avec de grandes compétences
artistiques, adepte de Caravage à partir de laquelle elle prend le
trait clair-obscur, ce qui ajoute touche de couleur des peintres
vénitiens, il est né à Taverna, un petit village dans la province
de Catanzaro en 1613. Il s'installe à Rome en 1630 par son frère
Gregory également un peintre, où il connu un grand succès à la
cour du pape Urbain VIII, qui en 1642 l'a nommé Chevalier de
l'Obéissance Magistral de l'Ordre de Malte. Depuis lors, son nom
sera Calabrese Cavalier. Après une longue période artistique dans
la ville éternelle où il a laissé de nombreux témoignages de son
art, comme les fresques de l'église de Sant'Andrea della Valle, il
s'installe à Naples, où il atteindra sa pleine maturité expressifs
produisant travaux de la plus haute importance, et enfin il arrive à
Malte, en 1661 et pour 40 années e il travaille pour les patrons de
l'île et pour les commissions napolitaine et italienne. Il mourra à
La Valette en 1699. L' exposition a été inaugurée à l'occasion de
l'ouverture de la foire du livre de Turin, qui, dans cette édition a
pour invité d'honneur la région de Calabre, et il est intitulé "
Il Cavalier Calabrese Mattia Preti. Entre Caravage et Luca Giordano.
C'est un événement très important qui pour l'occasion a trouvé
une place dans les magnifiques salles de cette belle résidence des
Savoyie qui pour l'extension est égal au château de Versailles.
Cette importante exposition a été organisée par deux grands
experts: Vittorio Sgarbi (commissaire de l'exposition ) et Keith
Sciberras, professeur d'histoire de l'art à l'Université de Malte
(co-commissaire ). L'exposition se déroule à travers 40
chefs-d'œuvre, soigneusement sélectionnés, présentée
conjointement avec d'importantes peintures du Caravage et Luca
Giordano qui documentent les sources et les influences de la peinture
du Preti . L'exposition est divisée en cinq sections: les musiciens
et les joueurs, l'histoires et les émotions, les visages et les
protagonistes, la façon triomphante et Héroïnes et Virtue Stoica.
On peut admirer de grandes toiles d'intensité spirituelle
représentant des scènes religieuses, dans lequel l'artist capte
influence de Guercino, tandis que de scènes chorales acclimatés
dans les tavernes et les musiciens qui ont cette note d'ombre et de
lumière qui rappelle la technique de Caravage dont Preti était un
adepte. Il n'est pas fortuit que le chemin s'ouvre avec l'un des plus
célèbres œuvres du peintre lombard: "Repos pendant la fuite
en Egypte " (1595-1596), provenant de la Galleria Doria Pamphili
de Rome. Excellent emplacement pour l'exposition de cette longue
série d'œuvres provenant de 25 collections publiques et privées
prestigieuses, italiens, maltais et anglais. Un souffle du passé
pour récupérer le témoignage artistique du grand peintre baroque.
La reine de l'Art Deco
à la Pinacothèque de Paris: Tamara de Lempicka
Du 18 Avril au 8 Septembre 2013
Qui
mieux que Tamara de Lempicka (1898-1980) a été en mesure de
représenter le dynamisme des années folles, chargés de la
mondanité et d'expressions culturelles effervescents qui trovent
l'espace entre les plis des mouvements cubiste et futuristes? Cette
jeune femme a signé les plus grands chefs-d'oeuvre du mouvement
artistique appelé Art Déco , qui a su exprimer l'élégance
conceptuelle à travers une série de peintures réalisées
principalement entre 1925 et 1935. Tamara peint la beauté du monde
et de ses protagonistes: les hommes élégants appartenant à la
haute société et les femmes raffinées et sensuelles. Mais en même
temps, ne dédaigne pas de peindre still life et intérieurs fixes.
Ils sont des peinture avec de couleurs vives et métalliques sur le
fond de perspectives futuristes comme gratte-ciel à New York se
détachant sur le ciel. Femme avec une personnalité forte et
indépendante, non conventionnelle, elle même semble dicter les
règles du monde qui l'entoure. Dotée d' un destin qui lui a donné
une vie intense et écrasante de luxe et de mondanité, s'appuie sur
ses expériences personnelles , ses amours clandestines, ses goûts
ambigus.
Elle raconte à travers son art le monde auquel elle
appartient. Pourtant, une autre exposition organisée par Gioia Mori,
l'expert principal de l'œuvre de l'artiste polonais est affichée
dans les chambres de la Pinacothèque de Paris, un nouveau grand
complexe d'exposition qui a gagné une place prestigieuse sur la
scène culturelle française. Avec la collaboration de Victoria De
Lempicka, fille de l'artiste et président du Tamara
Art Heritage, et
Marilyn Goldberg, president du
Museum Masters International, l'exposition a ouvert le 18
Avril 2013, et va terminer le 8 Septembre. Une rétrospective qui
contrairement aux précédentes, présentés dans huit villes
différentes dont Londres, Vienne, Milan et Rome (au Complesso del
Vittoriano ) est enrichie de 23 nouvelles œuvres, dont 18 dessins et
cinq toiles, réalisés entre 1923 et 1925 , retrouvées par madame
Mori en France. Il y a 107 œuvres présentées au public dans le
cadre de cette rétrospective vise à illustrer le mouvement Art Déco
à travers la personnalité vibrante de son icône , élevé au rang
de reine comme capable de représenter pleinement l'esprit de
l'époque.
Qui aurait
pu penser aujourd'hui que au début de sa carrière ses œuvres ont
été sévèrement critiquée par les plus grands artistes italiens
tels que Carlo Carra et Ojetti? C'est principalement ce dernier à
écraser l'exposition de Milan de l'artiste à la galerie "
Bottega di Poesia " en 1925, avec deux articles publiés dans
«L'Ambrosiano» et «il Convegno». Carrà appelle son travail le
fruit d' une femme ambitieuse qui avait essentiellement rien de
nouveau à offrir que la scène de l'art d'après-guerre. Carra
considère son appartenance au sexe féminin un handicap, declarant
que seuls les hommes, en vertu d'une sorte de supériorité
hypothétique, étaient dignes de sacrifier leur vie à l'art. Une
pensée restrictive et misogyne qui, heureusement, n'a pas eu
d'influence sur le destin d'un peintre de tels talent. En dépit des
prédictions désastreuses Tamara de Lempicka , qui est devenu une
légende vivante grace à la reconnaissance internationale de sa vie
aventureuse est aujourd'hui célébrée à travers une exposition de
ses peintures magnifique . De véritables œuvres d' art qui ont la
capacité de susciter le désir de revivre la magie des années
vingt, fasciné par la légèreté et vitalité, par une projection
dans l'avenir qui appartient seulement aux esprits libres .
Helmut Newton: Big Nudes
Le génie de
Helmut Newton a eu lieu à Rome au Palais des Expositions avec une
monographie dans laquelle sont exposées environ 200 photographies
tirées des trois grandes anthologies qui lui ont fait les plus
grands fashon designer du XXe siècle. Après le succès de
l'exposition consacrée au photographe français Robert Doisneau,
l'importante emplacement romain accueille un autre joueur
international de l'art photographique. L'exposition a lieu au
deuxième étage de l'immeuble, mais nous ne sommes pas autorisés à
monter le grand escalier monumental car il est en train de préparer
une nouvelle production. Nous arrivons ainsi au deuxième étage avec
un ascenseur. Et maintenant, nous sommes pris par la sensualité des
modèles disruptifs immortalisés par les photos indiscrètes de
Newton. Les murs de la loggia donnant sur le hall central sont
couverts d'affiches en noir et blanc où le nu féminin est le
protagoniste absolu. C'est curiex la combinaison de sujets de la même
façon et la version nue, où l'emplacement en dépit d'être
identiques (en face d'une voiture, un escalier, sur un canapé ou
dans un petit jardin ) voit le modèle désormais entièrement
habillé et dans l'autre dépeint dans la pose identique mais
complètement déshabillée.
Nous procédons le tour. Les photos
extraites des trois principaux anthologie publiée sur papier, White
Women, Sleepless Nights e Big Nudes, sont affichés sur
les murs de couleur fuchsia et turquoise. Une combinaison de couleurs
efficace qui tourne sur des photographies en noir et blanc faisant
ressortir la profondeur de l'image. Les modèles avec des formes
parfaites se prêtent à donner vie aux fantasmes interdits du
photograph, projeté dans l'intimité et souvent in locations
raffinées, comme Villa d'Este Paris, Manhattan. Séquences
capturées pendant la durée de vie carrière professionnel du
photographe, dont beaucoup ont été publiés par les grands
magazines de mode internationaux tels que Vogue et Vanity Fair .
D'autres appartiennent aux archives personnelles du photographe
Helmut Newton aujourd'hui propriété de la Helmut
Newton Fundation de Berlin qui a aidé à organiser
l'exposition. Le premier impact est un peu fort et immédiat. Semi-
nudité et transparents s'alternent avec des sujets complètement
dépouillés, qui expriment un érotisme raffiné parfois morbide.
Mais il ne faut pas oublier que c'est Newton qui a introduit le nu
dans la dimension de la mode. En regardant les photographies est
naturel de se demander si c'est une apothéose de la beauté du corps
féminin, une exaltation qui réduit malheureusement les femmes à
une simple exposition d'objets, une coquille sans âme ou la pensée.
Pas pour rien dans quelques séances photos Newton approches les
mannequins parfaitement constituées et habillé, boîtiers en
plastique des traits humains et des proportions parfaites qui
confondent l'œil. Newton traverse la mesure apportant son art à la
limite de la provocation rapport aux paramètres établis par la
décence publique . À mon avis un peu trop . Videz la femme de la
réserve naturelle qui la rend mystérieux et inaccessible aux yeux
du monde. Mais Newton aime certainement provoquer et ça se révèle
pleinement et sans réserve. Ainsi nous voyons scènes saphiques,
triangles érotiques ou même mis en scène des crimes dans lesquels
la beauté d'une femme accable la victime. Nudité, transparents,
dans certains jeux, il fait même endosser à ses modèles de petits
prothèses couvrant les arts blessés ou convalescents. Mais Newton
est un artiste. Grâce à la photographie il exprime la conception de
la scène immortalisée, une espace pensée décidément en amont. Ce
ne sont pas de scènes volées à la vie quotidienne ou dans son
temps libre pour échapper à l'ennui mais le résultat d'un grand
professionnalisme. Le talent du photographe se concentre sur le sujet
qui se dégage de l'arrière-plan avec sa sensualité exubérante.
L'érotisme extrême est toujours raffiné, peut-être parce que la
beauté n'est jamais vulgaire quand est exprimés en tant que
concept. Le corps parle sa langue, de lui-même et de son être
au-delà de la pensée et des mots. Pour paraphraser le titre du film
«rien sous la robe " et le réfutant, nous pouvons dire que
dans ce cas le corps a plus de valeur et d'expressivité que la robe
qu'il porte.
Robert Doisneau: Paris en liberté
Une carrière construite au fil du temps, à travers des centaines de photographies qui l'ont rendu célèbre dans le monde entier et qu' aujourd'hui sont considérées comme des œuvres d'art. On peut les trouver dans les antholgies et dans les grandes collections, conservées dans les musées internationaux les plus prestigieux. Robert Doisneau est considéré comme l'un des plus grands photographes français. Et c'était sa chère Paris à décréter son succès. A l'occasion du centenaire de sa naissance a étée mis en place une rétrospective fascinante qui rassemble plus de 200 photographies, prises par Doisneau entre 1934 et 1991, qui soulignent le profond lien de l'artiste à sa ville. Après avoir étée présentée à Paris à l'Hôtel de Ville, au Japon Mitsukoshy Isetan de Tokyo et à Kyoto, arrive enfin à Rome, au Palais des Expositions, où on pourra l'admirer jusqu'au 3 Février 2013.L'exposition célèbre la forte relation entre Doisneau et Paris à travers une longue tournée virtuelle des images volées de la vie quotidienne. Prise de vue en noir et blanc, ce qui donne la patine du vieux mais qui produit au même temps un effet de réalité indissoluble. La couleur est interdite. Les sujets émergent forte, ce qui conduit à des images floues. Ils prennent vie, deviennent les protagonistes de ces moments fugaces. Doisneau photoghaphes Paris et ses habitants. Un aperçu de la vie réelle, regardes pris dans les quartiers, dans les marchés, dans les rues, dans le métro. Femmes maquillées, jeunes et vieux représentés dans leurs occupations habituelles, ou pendant ils se promenent le long des boulevards,. On peut admirer des enfants qui jouent, des musiciens de rue qui utilisent leur art avec une monnaie d'échange. Doisneau capture le regard dur de la concierge surprise par lle dèclit de l'appareil photographique, capture l'homme en face de l'étalage des livres sur le quai, participe à des danses chahuteurs des jeunes non conventionnelles, surprende les femmes souriant, assises au bistrot. Les animaux domestiques sont également les sujets bienvenus à l'artiste. Les petits oiseaux en cage, les chiens en laisse que remuer la queue pour le propriétaire, chats immortalisé sur les toits, qui, comme de gardiens solitaire et attentifs, surveillent dans la nuit ,les eaux de la Seine. Et les baisers. Combien de baisers Doisneau a immortalisé avec son objectif. Moments tendres et passionnés, images intimes d'amoureux heureux de se retrouver dans les rues de la ville, ou étreignant sur un banc, en ignorant les regards curieux des passants. Paris semble imprégnée de la douce mélancolie qui rappelle les films de Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo, aux ambiance feutrée et silencieuse. Romantique comme Paris apparait dans notre imagination, accompagné par les verses douces de "vie en rose". Rien n'échappe à l'œil vigilant du photographe qui scelle moments apparemment banales de la vie, mais visuellement frappantes aussi rapides comme de coups de pinceau énergiques sur la toile ou de versets doux qui en quelques lignes communiquent une grande émotion. Paris se révèle triste et silencieuse, où même les cris des marchands ambulants et des enfants sont en sommeil. Mais bien que les photographies absorbent et amortent le bruit de leurs cris de joie, les images rappellent inaltérés aux spectateur les émotions des personnes, faisant nous rêver.
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